《我是歌手》一开始播出就火了，然而，跟随着高收视率一块儿来的，是人们针对它“演得不错、唱得很炫，只是唯独缺少了一些属于自身的东西”这样的尖锐批评。
节目模式的海外基因
这档节目，是让成名歌手进行同台竞技的，它的核心创意，可不是本土所产生的东西。它是直接把韩国MBC电视台的同名综艺模式给引进过来的。在2013年初的时候，湖南卫视把它引入到了国内，从赛制流程一直到舞台设计，都是高度按照原版的框架来进行的。节目把专业评委给取消掉了，将投票权完全交到了现场500名普通观众的手里，这样一种颠覆性的设置，从刚开始的时候就注定了它的娱乐属性要大于专业评判。
在那时的综艺市场这种模式移植并非是个别的情况， 可是它却是向着高潮推进“明星竞技”概念的关键的一步。它成功地制造出了话题， 然而也致使节目从一开始就带有了“舶来品”的标签。在观众新鲜感过去以后， 难免会进行思考：我们自身的原创节目构思处于何处呢？是不是只有通过引进才能够制造出爆款呢？
观众评审的专业性质疑
投票机制的设计，直直引发了有关评审标准的争议，在第二期节目里，黄贯中对《吻别》做了颠覆性的摇滚改编，虽说业内称赞有加，然而却由于没能打动大众评审而遭到淘汰。相反，一些演唱经典老歌并且表现稳健的歌手，更易于获取高票。这一结果把“专业审美”与“大众喜好”之间的鸿沟赤裸裸展现 。
众多网友着手质疑，五百名现场观众能不能代表真实的音乐鉴赏水平。他们的挑选好像更偏向于情感共鸣以及歌曲的传唱度，并非艺术创新性。这致使节目结果时不时跟音乐圈内的评价体系形成巨大偏差，还使比赛的“公正性”与“专业性”被画上问号。
镜头下的表情与演技
节目播出过后，部分观众所呈现出来的反应，变成了另外一项有看点之处。镜头反反复复地对焦拍摄现场台下观众，那极其投入专注的神情模样，当中就有一位女性观众只是因为动不动就会落泪而下，被人们调侃称作是“哭泣姐”。这些最终被放大呈现之后出现的反应状况，不管到底是发自内心情不自禁真诚情感的自然流露，还是带有一定表演成分在里面，通通都成为了节目戏剧特质效果那众多构成部分中的一部分。它们的确增强了节目所蕴含的那种能够感染人的力量，然而却也致使让人感觉到有一些故意为之的意味在其中 。
不止观众，歌手们的情绪舒缓表现得同样径直。黄绮珊演唱完毕李叔同的《离不开你》之后当即泪下，陈明也因自身的演艺触动。这般时刻真切地留存了歌手的压力与投入，然而置于电视综艺节目的背景情境下，不免会得到一部分观众阐释为剧本架构或者情绪烘托，减损了节目所彰显的“真实”实质要素。
经典老歌的集体怀旧
节目里头，歌手们挑选用来演唱的作品多数是以往的经典，，《海阔天空》的旋律响起时、《等待》的旋律响起时、《烛光里的妈妈》的旋律响起时，立刻就唤醒了观众集体的记忆，陈明、黄绮珊等长时间没有露面出现的歌手而言来说，这样的怀旧效应愈发尤其明显，她们依靠凭借观众的情怀得到了获得了强大力度的共鸣以及支持。
然而，舞台被大量经典曲目所占据之际，一个隐忧冒了出来 ，这看上去更像是一场华语乐坛黄金时期的回顾展览 ，而并非新音乐力量的展示平台 。观众沉浸于熟悉的旋律里头 ，得到慰藉 ，可耳朵当中却极少听闻属于这个时代的新鲜原创声响 。
真人秀背后的精致设计
节目组声称《我是歌手》是一档“真人秀”，用以呈现歌手真实的竞演状况。然而，就像当时业内人士所讲的那样，参与其中的皆是经验丰富的成熟艺人，他们对镜头运用的门道十分精通。再加上湖南卫视有着娴熟的综艺制作手段，从悬念的打造到情感的铺垫，每个环节都经过了精心的策划安排。
这致使节目最终所展现出来的效果，更类似于一档制作精良且节奏精准的传统综艺秀，并非那种粗粝、即兴的真人纪实了。观众观赏到的是顶级舞台以及完美演出，然而那份未经设计、生猛的“真实感”却是相对匮乏的，这也是其被指责“表演痕迹重”的缘由之一 。
原创音乐的现实困境
《我是歌手》很火爆，同期的《中国好声音》等节目也很火爆，然而这却反衬出中国原创音乐乏力了，这种节目成了老歌新唱的放大器，却没能成为新作品的强力推手，就算是节目走红的歌手，赛后大多也回归翻唱或者演绎旧作了，很难依靠全新的原创音乐持续在乐坛立足 。
这样揭露出了一个残酷的现实，成熟的综艺工业能够迅速地制造话题以及收视，然而却不容易滋养孱弱的原创根系，当市场持续不断地去消费过去的情怀，新音乐的创作以及传播渠道就显得更为逼仄，一档节目的成功能够带来短暂的狂欢，可是却无法解决产业源头创新不足的根本问题。
一档音乐竞技综艺的成功，你觉得它有没有责任，为推动原创音乐发展做出更多实质贡献呢？认同本文观点的话，欢迎在评论区分享你的看法，还请点赞支持并且分享给更多朋友去讨论哦。
